Un petit frère es el 2º largometraje de Léonor Serraille, diríase que epítome de la nueva corrección que se está adueñando del cine europeo.

Leonora Addio no es una buena película, pero puede que sea esa misma insuficiencia sea la que la convierte en algo valioso.

To be loved by whom muestra las vidas de las prostitutas desde una perspectiva distinta a la de la mirada masculina.

Lucie Loses Her Horse es una película sobre las historias que creamos y las que decidimos contarnos a nosotros mismos.

Dean Kavanagh construye una historia anclada en la psicología profunda de su personaje principal sin perder nunca el pulso creativo.

Fuego fatuo contempla la realidad como delirio digno de ser vivido y, por lo tanto, como privilegio que nadie tiene derecho a arrebatarnos.

Aftersun construye un dispositivo, desde la mirada infantil, sobre el padre ausente y desconocido, repleta de lugares y espacios opacos.

En Los saldos, Raúl Capdevila Murillo construye una pieza de no ficción a través del acercamiento al western.

En Naçao Valente es tan grande el conjunto de referentes que, su sugerente punto de partida acaba diluyéndose por su excesiva ambición.

Viagem ao Sol deja al espectador establecer una conexión real con las historias que contiene, dando un paso más hacia la verdadera empatía.

Human Flowers of Flesh es una apuesta formal que funciona de manera aislada, ahogada por unas ideas y conceptos a veces redundantes.

Ashkal, de Youssef Chebbi, entremezcla, de manera irregular, thriller y horror con denuncia social y a Hideo Nakata con David Fincher.

Vera entona un responso por la “no ficción” que es también la culminación del arte discreto y sutil de Tizza Covi y Rainer Frimmel.

Tras la explosión de vida inicial, My Love Affair with Marriage se convierte poco a poco en un film un tanto unidimensional.

El mayor logro de Nikola Spasic en Christina es acercarse a la ficción sin que ello implique un abandono de la verdad.

Como ondas que se reproducen, Komlijen da forma a un film que contiene dentro de sí múltiples filmes, cada uno de ellos con su propia textura.

A Couple, de Frederick Wiseman, es una película tan insuficiente como –a su manera— fascinante y enigmática.

Holy Spider es de esas películas que logran efectos diametralmente opuestos a los que se proponen, y no precisamente para bien.

Le Pharaon, le Sauvage & le Princess forma un universo de líneas sinuosas y volúmenes monocromos casi como una sucesión de cuadros geométricos.

21 paraíso nos habla del significado de las identidades digitales como escisiones esquizofrénicas de la persona tras lo digital.

De noche los gatos son pardos oscila entre el rodaje de una obra de ficción dionisíaca y la irrupción del horror de influencia lynchiana.

Giggi la ley es un ejercicio que es en parte fummetti rural y por otra parte casi un policial o noir dilatado.

We Had the Day Bonsoir construye un poema visual en el que desplegar su duelo y, sobre todo, mantener viva la memoria de su ser amado.

H es un ejercicio de reconstrucción de la memoria que busca llenar los vacíos de una historia, olvidada y convertida en mito al mismo tiempo.

El trío en mi bemol va más allá de muchos ejercicios de metacine, logrando una integración absoluta de las formas del teatro y del cine.

When the Waves Are Gone es un film de atmósferas y ambientes, perfusiones indiscriminadas y gestos súbitos de ruptura y cambio de tono.

Fairytale es un apunte indispensable para entender la trasnformación de buena parte del cine actual, más allá de pandemias y plataformas.

Inmotep nos interpela acerca de nuestra dependencia hacia la imagen audiovisual, oculta bajo el paraguas del thriller tecnoconspiranóico.

Nayola parte de un estilo que aúna de manera orgánica, el simbolismo tribal y el trazo híbrido entre el post-impresionismo y el expresionismo.

Sóc Vertical… es un ejercicio formal extravagante, entre el fan fiction y el what if, para hablarnos de sororidad entre dos tiempos.

Forever Young es un pequeño tratado sobre la representación cinematográfica, sus relaciones con el teatro y eso que llamamos “realismo”.

Los problemas de Close comienzan cuando Dhont se confirma como un cineasta mucho más convencional de lo que parece.

Sonne no sabe crear continentes flexibles para sus contenidos, convirtiéndose en una película más conservadora que lo que pretende cuestionar.

A noiva plantea una interesante decisión formal, el POV subjetivo, salido de un shooter de los videojuegos, provocando el efecto contrario.

The Island es tan prolija en sus postulados, que necesitará de más visionados para absorber lo que ofrece una obra tan a contracorriente.

X14 explora imaginarios propios de lo weird para plantear una reflexión sobre el encuentro de distintas subjetividades.

La fusión de distintos lenguajes (de la ficción y de la no ficción hace que Polaris nunca parezca encontrar su norte del todo.

Fillol dialoga con códigos del terror y la serie B, en un thriller en el que las tensiones de clase se funden con las propias de un rodaje.

En The Eternal Daughter, la ficción regresa para invadir el espacio fílmico, no ya como placer sino como obsesión que se mueve en círculos.

Siete Jereles se niega a ser una película como las demás y también propone una invasión de los sentidos, una subversión de las formas.

Rodeo es plenamente contemporánea, atenta a la cinética del movimiento y a la plástica del metal y de la máquina.

La mala familia se mueve entre la ficción documental o el documental ficcionalizado para entregar un retrato poético y humanista.

La presa es un ejercicio tan hermético como sugerente, vaciado de la palabra y cuyas imágenes dan lugar a infinitos significados.

Return to Seoul es un melodrama oculto bajo capas de mumblecore y neonoir que no llega a brillar por su excesiva dilatación.

Skin Deep de Alex Schaad, entremezcla a Von Trier, Ari Aster y Bergman, para plantear un ensayo ético y filosófico acerca de quiénes somos.

En The Kiev Trial, Loznitsa vuelve a hablar del pasado trayéndolo al presente, una reflexión sobre la guerra que es inacabable e inabarcable.

En Scarlet, la concepción del realismo no tiene nada que ver con la realidad tal como la conocemos, sino con los modos de representarla.

Saint Omer, de Alice Diop, es una cinta sobria, austera, elegante, incluso inteligentemente elíptica, al menos en un primer vistazo.

Los hijos de otros, la última película de Rebecca Zlotowski reincide en las maneras de la Nouvelle Vague, aparentando ser lo que no es.

En The March on Rome, Mark Cousins habla del ascenso al poder de Mussolini para entablar un diálogo con el fascismo contemporáneo.

Sauce ciego, mujer dormida, adapta la obra homónima de Murakami, a partir de un ejercicio de rotoscopia que potencia su cualidad onírica.

En Vaca, La cámara se acerca compulsivamente a los animales, en apariencia con una cierta frialdad, en el fondo para obligarnos a verlo todo.

En Onoda, la imagen es siempre móvil y alada, imposible de clasificar y asumiendo una fragilidad que la convierte en inasible.

Atlantide ofrece una pormenorizada descripción ambiental del día a día de los jóvenes de Sant’Erasmo, cerca de la laguna de Venecia.

Nanni Moretti consigue con Tres pisos una de las más inteligentes y emotivas películas de toda su filmografía.

El cine de Ted Fendt es austero, pero trás ese estatismo ascético hay un cuidadísimo trabajo de composición visual alejado de exhibicionismo.

The Story Of Looking es un ‘ego trip’ que aúna necesidad de constante autoafirmación y ansias de exposición íntima.

La guerra de Miguel, de Eliane Raheb, muestra las posibilidades del arte cinematográfico como instrumento sanador.

Al ver Babi Yar. Context, uno solo puede lamentarse de que este desapasionado y durísimo trabajo no haya sido elegido para competir en S.O.

En Un cielo tan turbio, Álvaro F. Pulpeiro demuestra que, a veces, de la pobreza al surrealismo solo hay un paso.

Théo et les métamorphoses es una puerta abierta al inconsciente de un ser fascinante que no conectará con los amantes de las convenciones narrativas.

Saving One Who Was Dead podría verse como una nueva respuesta a Ordet, o como una muestra del estilo trascendental de Paul Schrader.

Difícil extraer matices de Fabian Going to the Dogs, como si la combinación de sátira y lirismo se redujera a unos pocos efectismos formales.

En Abrázame fuerte, Mathieu Amalric juega de nuevo (Bárbara), con lo real y lo representado, con dos realidades que se funden y se confunden.

Feathers (Omar El Zohairy) se sirve de espejos deformantes y el realismo mágico, para entregar una sátira de los hogares heteropatriarcales.

Wan Xia, el largometraje de Silvia Rey Canudo, destaca por su vivificante humor y la exactitud de su retrato.

En Paisajes de resistencia, su impagable y poderoso testimonio vive por el interés registral de la propuesta y su poderosa apuesta formal.

Flee hace un uso irregular del lenguaje y las formas de la animación, para entregar la mirada en primera persona de un refugiado afgano.

Europa, de Haider Rashid es un tour de force, una experiencia inmersiva que traslada el sufrimiento de la inmigración en primera persona.

En Murina de Antoneta Kusijanovic existe un conflicto entre el deseo y la repulsión, entre Amer de Catet y Forzani y La piscina de Deray.

Black Medusa de ïsmael es un rape and revenge que reinterpreta el mito de la femme fatale, que entronca con el cine de Amirpour y Fenell.

Memory Box plantea dilemas que nos ponen en cuestión como espectadores, algo a tener en cuenta para revisar determinadas tendencias actuales.

Ali & Ava lleva en sí misma la evolución de una simiente realista que ya es consustancial al cine británico.

Puede que Diarios de Otsoga sea una película sobre nada, sin duda el objetivo último del cine, y eso es lo que debemos celebrar. 

Medea es un ejercicio de seguimiento en pos de su actriz protagonista y la exploración de su cuerpo y de su gestualidad.

Canto cósmico. Niño de Elche y su sucesión de pinceladas impresionistas apenas permite bosquejar un tenue perfil del autor representado.

¿Qué hacemos cuando miramos al cielo? podría definirse como un film vocacionalmente revolucionario en la acepción más estricta de la palabra.

En Magaluf Ghost Town, lo que arranca como un documental de corte etnográfico, termina en ghost story reconstructora del mito de Magaluf.

En La isla de Bergman, el universo aparentemente realista del cine de Hansen-Love se desintegra y penetra decididamente en lo fantástico.

Si alguien estaba esperando el pistoletazo de salida de un cine español rigurosamente post-almodovariano, Espíritu sagrado sería su película.

Passion de Maja Borg oscila entre el documental biográfico en crudo y el exorcismo fílmico, para hablar de los roles de poder y dominación.

El estatismo, la fria colorimetría y el uso del punto de vista le sirven a Anatomía para analizar a una mujer perdida en un limbo vital.

En Ghost Song, el hip hop funciona como herramienta descriptiva pero también como única voz de la esperanza.

Moon, 66 Questions mantiene la estética y las formas del nuevo cine griego, pero para acabar culminando en una suerte de catarsis y redención.

Bloodsuckers, de Julian Rodlmaier es un sofisticado e irreverente tratado sobre los juegos de seducción, de poder y de clase.

En A Chiara, buena parte de sus hallazgos iniciales comienzan a diluirse en el momento en que el artificio va ganando terreno.

Carlos Losilla se pregunta, a propósito de Memoria, si Apichatpong Weerasethakul podría ser el heredero natural de Resnais.

El gran valor de Las gentiles es su mirada, ni paternalista, ni condescendiente, hacia las nuevas generaciones.

En Guerra e pace, D’Anolfi y Parenti buscan preguntarse quién y desde qué posición se producen las imágenes que consumimos.

Costa Brava, Lebanon podría ser, sobre todo, una cinta sobre la observación minuciosa de un universo sometido a una violenta transformación.

En Il buco, como en el resto de la obra de Michelangelo Frammartino, hay una mística del encuadre que condiciona todo lo demás.

¿Qué hicimos mal? oscila entre maneras convencionales y tics de una cierta tendencia del cine contemporáneo que parece estar ya tocando techo.

Liborio biopic sobre el líder espiritual de República Dominicana, es un ensayo acerca de la fe, entre Conrad y el Silencio de Scorsese.

Desde un blanco y negro y unas figuras humanas oscuras y abstractas, las imágenes de A Night Of Knowing Nothing se vuelven inmortales.

Rendir los machos enebra un discurso en el que se hibrida el surrealismo rural y folk, el nihilismo de Antonioni y lo totémico kubrickiano.

Evolution, el nuevo trabajo del duo conformado por Kornél Mundruczó y Kata Wéber, nos habla del trauma histórico como círculos concéntricos.

En 1970, Tomasz Wolski representa el inmovilismo frente al movimiento, el monólogo totalitarista frente al silencio del pueblo.

El resultado de París, Distrito 13, es vistoso y variado, pero tan arbitrario como el dudoso blanco y negro que le sirve de soporte visual.

La sorprendente Ahed’s Knee es casi una nueva versión de Simón del desierto, fusionada con la crisis del cineasta, entre Fellini y Allen.

Great Freedom, el drama carcelario de Sebastian Meise, queda vampirizada por la la prodigiosa interpretación de Franz Rogowski.

The Tale of King Crab, la primera cinta de ficción de Rigo de Righi y Zoppis es una obra profundamente física y sensorial.

En Futura, Marcello, Rohrwacher y Munzi, entregan una obra que se interroga sobre el porvenir del país transalpino y sus nuevas generaciones.

Fanny Lye Deliver’d se sitúa más cerca de Sergio Leone que de Carl T. Dreyer,aunque su argumento haga pensar en este último.

Wildfire es un melodrama familiar con ecos de cine social en el que brillan las intensas interpretaciones de sus dos actrices principales.

Con Quo Vadis, Aida?, Jasmila Zbanic continúa su particular exploración de la guerra de la ex Yugoslavia y sus consecuencias.

Nueve Sevillas es un filme rabiosamente imperfecto, que descubre su propio artificio, y se siente orgulloso de mostrar sus errores.

Kill It and Leave this Town, ópera prima de Mariusz Wilczynski es un exorcismo sincero, desgarrador y quién sabe si catártico para su autor.

Malmkrog es, para Carlos Losilla, “un artefacto inabarcable, un universo en sí mismo, una pregunta sin respuesta”.

En If It Were Love, Patric Chiha hace que la cámara se funda con los ritmos de la pieza, penetrando en la intimidad de los procesos creativos.

Um Fio de Baba Escarlate es una hora de sentido homenaje al giallo, cercana a los trabajos de Catet y Forzani o Peter Strickland.

Pa’tras ni pa’tomar impulso es un relato en femenino, que oscila entre el kitsch, lo real y lo ficcional, entre el folklore y la religión.

Honey Cigar, ópera prima como directora de la guionista Kamir Aïnouz, es un relato sobre el despertar sexual bajo la sombra del integrismo.

An Unusual Summer consigue que una grabación doméstica alcance, por momentos, las cumbres del melodrama más depurado.

Crónica de una vida contada en tres momentos, de la infancia a la vejez, February no cree tanto en la cronología como en la simultaneidad.

Notturno es una colección de imágenes sobre el desarraigo que componen una pieza de inspiración musical, decantada al ritmo del montaje.

En su segunda película, Laurent Micheli aborda la relación entre un padre y su hija transgénero con la que cortó hace tiempo todo vínculo.

Gaël Lépingle es un director preocupado por el tiempo, como ya había demostrado en sus anteriores trabajos en ficción y documental.

Rascal oscila entre Hitchcock y la frescura del primer Godard para hablar de la desesperanza de la Francia actual bajo las formas del género.

Alfonso Zarauza plantea una cinta con una fuerte carga psicológica, en la que las palabras y los gestos se funden con el paisaje y con el mar.

Sweat es una cinta ambivalente cuyos mayores aciertos son el camino desde las imágenes relucientes e higiénicas a la sangre y la mugre.

Fruto de una intensa campaña de crowdfunding, surge este largometraje que trata de dar voz a los silenciados y amenazados por el poder.

Nación es un manifiesto político que se mira en Joaquim Jordà o Chantal Akerman para lanzar un mensaje combativo del pasado al presente.

Dau. Natasha se despliega a partir de largas set pieces que acaban conduciéndonos a los abismos del régimen soviético y la condición humana.

Tan irregular como fascinante, Oasis aporta una mirada empática y sin sentimentalismos hacia los individuos con discapacidad intelectual.

Enric Albero analiza Tal día hizo un año, la atmosférica ópera prima de la cineasta Salka Tiziana filmada bajo el paisaje de Sierra Morena.

Ghosts es la radical ópera prima de la cineasta turca Azra Deniz Okyay. Un mash up de influencias y ritmo mutable y eléctrico.

Nunca volverá a nevar es un hipnótico ejercicio entre el cuento de navidad feroz y la caricatura metafísica de la Polonia contemporánea.

Ammonite es un producto de su época, una película sobre el paso del tiempo, sobre los cambios en los usos sociales.

Fucking with Nobody es uno de los trabajos más instintivamente libres y salvajes de lo visto hasta el momento en Nuevas Olas.

Apples oscila entre la sci-fi distópica de Blade Runner, el humor afilado de Lanthimos y la mirada agridulce de Kaufman y Jonze.

Ben Hania Kaouther plantea una incisiva crítica del mercado del arte a través de la historia de un refugiado sirio que huye a Europa.

Burkovska Jacobsen mezcla animación tradicional e imágenes de archivo para narrar la historia de su familia en Letonia durante la Guerra Fría.

En su vocación historicista o testimonial, Queridos camaradas se nos aparece como una película extremadamente didáctica y reveladora.

Gagarine, crónica social convertida en cuento sci-fi, que al igual que Borrar el historial, arroja una nueva mirada al cine galo.

En su texto sobre Borrar el historial, Carlos Losilla pone en relación esta comedia heredera de la escuela Ben Stiller con Gagarine.

En Night of the Kings, Philippe Lacôte reivindica la cultura como instrumento de salvación incluso en el entorno más cruel.

Time of Moulting, dirigida por Sabrina Mertens es, en palabras de Enric Albero, un malsano, perturbador y atrapante filme de terror.

Seven Small Coincidences, el regreso de Péter Gothár, cae presa de sus excesos, malogrando sus aislados aciertos.

Con su debut en la dirección de largometrajes, Ameen Nayfeh ganó el Premio del Público en las Giornate degli Autori de Venecia.

Oskar Roehler enfrenta la biografía del cineasta Rainer Werner Fassbinder con una puesta en escena teatral basada en sus propios diseños.

En Karen, la intensidad de sus imágenes, así como el misterio que emana de ellas, la convierten en un artefacto ciertamente singular.

La vida era eso, el primer largometraje de ficción de David Martín de los Santos, lucha a lo largo de la película entre mostrar y decir.

Walden es un relato sobre la fugacidad de la esperanza adolescente enmarcado en los estertores del régimen comunista de la Europa del Este.

Exile es un lento pero progresivo descenso a los infiernos del sueño neoliberal y los fantasmas del pasado de la historia europea reciente.

Siberia parece un retorno a los orígenes dionisíacos del relato, rehuyendo efectismos psicológicos y convencionalismos narrativos.

Accidental Luxuriance of the Translucent Watery Rebus es un tan extenuante como fascinante collage de cultura académica y cultura pop.

Petite Fille es un documental observacional acerca de los diferentes estadios de la batalla de la aceptación pública y administrativa.

En Dear Werner, según las palabras de Enric Albero, Pablo Maqueda “traslada a las imágenes el libro del viaje herzoguiano”.

El debut tras la cámara de la británica Claire Oakley plantea un acercamiento al cine social desde un ángulo innovador.

Tras debutar como director con El techo del mundo, Rémi Chayé confirma su talento con esta historia animada sobre un personaje real.

En El arte de volver, seleccionado en Biennale College Cinema del último Festival de Venecia, Pedro Colantes cuenta la historia de un regreso.

Conference rompe las barreras entre la reconstrucción documental y el cine ficcional para hablar de la dilatación del dolor.

Bienvenidos a Chechenia es, en palabras de Enric Albero, un documental de guerrilla cuyas imágenes se acumulan como una barricada simbólica.

El año del descubrimiento pone al día el documental cinematográfico español, como lo hicieron El desencanto y otras cintas de la Transición.

Naked Animals, la ganadora a Mejor Ópera Prima en el Festival de Berlín, es una mirada áspera a una juventud sin vínculos con su herencia.

Con Our Lady of the Nile, Atiq Rahimi se acerca a un internado religioso en Ruanda durante la década de los sesenta.

Enric Albero escribe acerca de Downstream to Kinshasa, estrenada dentro de la sección Nuevas Olas No Ficción, tras su paso por Toronto.

La actriz danesa Malou Reymann debuta en la dirección de largometrajes con una historia familiar de un origen autobiográfico.

Ondina, de Christian Petzold, culmina la particular trilogía de historias románticas del cineasta, iniciada con Bárbara y Phoenix.